La Espada en la Tinta | Fantasía y culturas afines: Drama

Publicación independiente de fantasía, por y
para lectores de espadas y conjuros. La
fantasía es la poción mágica de la literatura.

22 de febrero de 2015

Especial Oscars 2015: 'The Imitation Game' de Morten Tyldum, el retrato de un genio

Según puede verse a lo largo de la historia, el cine siempre ha sufrido "mareas" que nos traen oleadas de películas de ciertos géneros que permiten la evasión de nuestro día a día. Por el momento, el final de 2014 y el principio de este 2015 está marcado por la temática bélica. Hemos visto la prueba evidente con películas como Corazones de acero y El francotirador (The American Sniper). Todas tienen un tema en común, o el del sufrido soldado que debe tomar una elección difícil que marcará para siempre su vida, o como no podría ser de otra manera, la de los combatientes que dieron su último aliento en pos de un objetivo común. Por eso creo que The Imitation Game es, precisamente, una continuación de esta tendencia, aunque de forma mucho más matizada.

Si habéis visto el tráiler, sabréis que el magnífico actor que es Benedict Cumberbatch interpreta al famoso Alan Turing, un extraordinario matemático responsable de descifrar el código de la máquina Enigma. Para quien no lo sepa, es aquella que cifraba todos los mensajes que mandaba el alto mando nazi al terreno de combate, con un código especialmente complicado de descubrir, ya que funcionaba mediante un cifrado distinto dependiendo de las personas que manipulaban dicha máquina. Para poder descubrir su funcionamiento, Turing pone en marcha una teoría con la cual prácticamente rozó la frontera de la ciencia ficción, lanzando al aire varias hipótesis con las que planteó si una máquina podría ser capaz de pensar de forma autónoma al ser humano. Se le considera el padre de la computación moderna, ya que fue la primera persona en inventarse lo que se podría considerar como el primer ordenador de la historia. Sus teorías, unidas a las distintas habilidades de los compañeros que trabajan con él para intentar ganar la Segunda Guerra Mundial, es la base de toda la película.

Sin embargo, pese a tratarse de una cinta ambientada en los últimos años de la guerra, no debe considerarse una película bélica como se ha podido decir en internet. En mi opinión, The Imitation Game es una cinta biográfica sobre Alan Turing.

En The Imitation Game vemos cómo Turing consigue sobrevivir a la escuela –una institución de alto nivel severa y fría–. Su habilidad mental, lamentablemente muy alejada de sus capacidades sociales, le hacen ser el objetivo perfecto de las burlas y malos tratos de sus compañeros de clase. Pero con el tiempo, Alan conocería a Christopher, un chico de su edad que le ayudaría a hacer frente a esas amenazas, convirtiéndose de paso en el gran amor de su vida. Como os podréis imaginar, si a principios del siglo XXI todavía hay quienes ven con malos ojos las relaciones homosexuales, os podréis hacer una idea de cómo se veía todo esto en la estricta sociedad inglesa de principios del siglo XX. Marcado de por vida por la muerte prematura de su amigo, Turing se refugiaría en la criptografía, las matemáticas y lo que terminaría siendo los inicios de la electrónica, hasta encontrarse trabajando para el gobierno de finales de los años 40.

No os quiero destripar la película, pero sí puedo decir que al estilo de Una mente maravillosa, Cumberbatch borda como siempre su actuación de Alan Turing –independientemente de la extraordinaria caracterización que se han trabajado los del departamento de maquillaje y vestuario de la película–. Puede observarse el sufrimiento de ese matemático tan adelantado a su tiempo cuando no consigue encontrar un equilibrio entre sus conocimientos y su capacidad para relacionarse con los demás. Como caída del cielo, aparece en escena Joan Clarke, la que será su amiga y que en la cinta interpreta Keira Knightley.

El papel de la actriz también me ha parecido muy interesante, ya que al igual que Alan Turing –en su caso por su homosexualidad reprimida y por su capacidad intelectual–, su inteligencia, su habilidad con el cálculo, la criptografía y el hecho de ser mujer la marcaron poderosamente. El director Morten Tyldum usa la figura de Joan Clarke para mostrarnos una época en la que estaba mal visto que las mujeres se dedicasen a cualquier actividad que requiriese algún tipo de esfuerzo intelectual y en el que se debían seguir siempre las órdenes de la figura masculina. El esfuerzo de este personaje para formar parte del grupo que luchó por desentrañar los misterios de la máquina Enigma la llevan por tanto a ser la única capaz de entender todo lo que rodea la vida de Turing, incluyendo su homosexualidad.

En definitiva, The Imitation Game es una película realmente interesante, tanto para los que disfrutéis muchísimo con este periodo de la historia, como para los que os quedéis embobados con las buenas actuaciones. Es cierto que Keira Knightley suele actuar siempre igual, ya sea en el papel de Ginebra, capitana pirata, amante despechada o loca rebelde, pero creo que en esta ocasión se ha conseguido meter más en faena, porque a mí por lo menos me ha llegado bien el mensaje de Joan Clarke. Es una cinta que nos hace recordar que los héroes de guerra también existieron alejados del fango, las balas y la sangre. Es una pena que en aquella época que la homosexualidad de Turing pesase más que sus méritos, como bien comprobaréis al final de la película. También es una forma de mandar un mensaje a todos aquellos que dicen ser seres humanos pero que también parecen llevar unos cuantos cientos de años de retraso con respecto a este grupo social. Aconsejo encarecidamente que la veáis y que antes de hacerlo os deis un paseo por la biografía de Alan Turing, su vida os dejará con la boca abierta.

Cyram febrero 22, 2015

14 de diciembre de 2013

Reseña: «Lo que encontré bajo el sofá», de Eloy Moreno

Título original: Lo que encontré bajo el sofá.
Edición: 320 págs. Espasa, septiembre 2013.
Disponible en ebook: Sí.
Precio: 19,90 € (rústica con solapas) / 9,99 € (electrónico).
Traducción: Obra original en castellano.
Temática: Drama, crítica social.
Correlación: Lectura independiente.

Cuando en 2011 se publicó El bolígrafo de gel verde, Eloy Moreno era alguien totalmente desconocido para la gran mayoría de lectores, incluso para mí. Supe de él y de su novela por una entrevista que escuché en la radio, cómo se había atrevido a auto editar su libro e ir puerta por puerta con una maleta llena de ejemplares intentando vender, más que una novela, su propio sueño. Eloy Moreno creyó, y tal vez por eso hoy tengo el privilegio de reseñar yo mismo su nueva novela. El bolígrafo de gel verde me sorprendió no solo por su curioso título, sino también por el críptico resumen y la curiosa presentación del autor en las tapas, que no hacían más que incrementar mis ansias por leer esa obra de la que todos empezaban a hablar tan bien. Algo especial debía de contener ese texto escrito por alguien que nunca se había dedicado profesionalmente a escribir. Y vaya si lo tenía. Me fascinó, me enganchó, me encantó. Es ahora, dos años después, cuando Espasa publica su segundo título, Lo que encontré bajo el sofá. Contando con la experiencia de haber leído el libro anterior, uno no sabe muy bien que esperar del argumento antes de empezar. Y he de decir que me gusta que esto sea un punto fuerte, pues solo hay lugar para las sorpresas.

“Eloy Moreno somete claramente al lector a su juego, al de sentir”

Junto con un título al estilo de su libro anterior, en Lo que encontré bajo el sofá Eloy Moreno sigue aprovechando ese espacio en las tapas “reservado para hablar de él” para hablar de otras cosas. Y continúa siendo críptico en lo que al avance del argumento se refiere. Quizás con un par de novelas más convierta estos detalles en parte de su sello personal. Lo que puedo asegurar es que cuando sostienes este libro en la mano, bien podrías estar sosteniendo un hacha muy afilada sin darte cuenta. “La novela de una generación indignada” reza la propaganda.

Plaza Zocodover, con el McDonald's al fondo, inicio de la novela / Calle del Hombre de palo.

Nos situamos en Toledo. Con su genial prosa y constantes juegos de palabras Eloy Moreno se adentrará por sus estrechas calles para hacer un recorrido, una especie de genial visita turística en la que, a través de sus personajes, acompaña al lector por los lugares más característicos, partiendo de la Plaza Zocodover. Sin pretenderlo consigue que uno desee realizar esa visita. Y créanme, toda la culpa tiene que un servidor haya decidido viajar hasta allí para pasar el puente de diciembre...

Además de adentrarnos en Toledo, también vamos a conocer mejor esa cara mística de la ciudad, y haremos un recorrido por algunas de sus leyendas más conocidas como “las tres fechas de Bécquer”, “el zapatero y el cardenal”, “el hombre de palo”, “la leyenda del beso” o “las calles que desaparecen”. El hecho de que haga tan partícipe a la ciudad y a todo lo que la rodea hace que por momentos ésta se convierta en un personaje más.

Es complicado hablar sobre el argumento sin desvelar demasiados detalles. Profesora que va a cubrir una vacante a una ciudad lejos de su casa y allí observa determinadas situaciones y le ocurren otras muchas. Cualquier otra cosa que diga puede influir. Definiría a Eloy Moreno como un escritor de lo cotidiano, pues en sus dos novelas trata temas del día a día de una persona, explora las facetas más habituales y a la vez más tabúes de las personas, convirtiéndolas así en cruciales para desarrollar un argumento que la mayoría de las veces pasaría desapercibido por ser tan rutinario. En un mensaje que le mandé a su página web cuando leí “El bolígrafo” definí su novela como “un thriller de sentimientos” y él se mostró muy contento con mi definición. Quizás esta novela continúe ese género pero perdiendo en giros inesperados para ganar en profundidad psicológica. Y como no, cuando uno cree que todo lo previsible ha sido previsto, siempre va a quedar lugar para una última sorpresa inesperada.

Los personajes que aparecen son todos gente muy corriente, totalmente verosímiles, pues bien podrían existir. De destacar es que al hablar no caen en estereotipos sino que reproducen conversaciones verdaderamente lógicas, maneras de hablar actuales y reales, sin dejarse llevar en ningún momento por lo que se consideraría arquetipo. La profundidad psicológica de su protagonista es admirable y teniendo en cuenta las situaciones en las que se va a encontrar puedo decir que Eloy Moreno somete claramente al lector a su juego, al de sentir, e incluso en ciertos momentos le hace replantearse las cosas, hasta esos sentimientos que uno cree tener más claros y controlados.

La manera de narrar es tan caótica como original. El narrador más importante es su protagonista principal, y es curioso que tardemos muchas páginas en conocer cosas tan simples como su sexo o su nombre. En determinados momentos otro narrador externo es quién nos cuenta los hechos. Pero detrás de ambos se esconde un Eloy Moreno gamberro en muchos momentos, que no se corta ni para escribir escenas de sexo, y que utiliza a su protagonista principal para soltar con una sutileza admirable unas indirectas muy directas.

Plaza de Santo Domingo el Real, origen de la leyenda Tres fechas de Gustavo Adolfo Bécquer.

Cuando necesita crear tensión, ansia, adicción, adelanta el devenir de sus personajes varios capítulos, sin desvelar gran cosa, pero dejándote con la miel en la boca y la curiosidad necesaria para que no bajes la guardia. ¿He dicho ya lo de gamberro? Los hechos transcurren en un tiempo bastante actual, aunque se introducen algunos momentos en el pasado que obviamente van a ir ligados a la trama principal pero que no vamos a descubrir hasta el final.

El tema del paralelismo está muy presente a lo largo de todo el libro. Muchos capítulos tienen una estructura paralela, los personajes actúan de la misma manera o utilizan el mismo objeto, todos ellos en el mismo momento. Así consigue que vivan la misma situación desde su propio punto de vista. Es ahí cuando la historia empieza a coger una magnitud considerable. También es habitual ver cómo empieza a contar las cosas desde el punto de vista de un personaje y las acaba desde el de otro, sin perder en ningún momento el sentido de esa original narrativa que propone.

La historia, lejos de la profundidad sentimental que tiene, revela otro aspecto: el crítico, el de la protesta. Eloy Moreno aprovecha esa voz de sus personajes para simular una realidad en la que se intuyen muchas críticas al sistema político, a la iglesia, a la monarquía, etc, todas ellas muy ciertas, y leeremos sobre personajes afectados por los recortes en sanidad y educación o veremos escritas palabras “prohibidas” a nivel político en determinadas provincias españolas como “lotería”. Entre esas palabras se ocultan situaciones bastante actuales y escándalos políticos muy concretos, incluso más que intuir, hay momentos en los que se ven claramente.

Encuentro muy acertado el hecho de que no sepamos qué tipo de libro nos estamos encontrando antes de leer, que sea totalmente imprevisible. Lees, avanzas pero no sabes hacia dónde vas ni cómo acabará todo, y en cada momento te rodea una sensación de realidad que no todos saben recrear en una novela. Quiero resaltar que, al encontrar en la página 130 lo que me ha parecido un guiño a su libro anterior, como fan y lector he esbozado una sonrisa; esperaba que no nos hubiese olvidado.

Esta es una novela de personas y para personas. Desde un particular tablero de juego en forma de Toledo los personajes, piensan, sienten y actúan, nosotros leemos, sentimos y actuamos, y es Eloy Moreno quién, como si acercase su ojo a la mirilla, todo lo ve.

Unknown diciembre 14, 2013

29 de mayo de 2013

Reseña: «El Silencio de Nuestros Amigos», de Mark Long, Jim Demonakos y Nate Powell

Título original: The Silence of Our Friends.
Guión: Mark Long, Jim Demonakos.
Dibujo: Nate Powell.
Color: Blanco y negro por Nate Powell.
Edición: 208 págs, b/n. Planeta DeAgostini, col. "Babel", mayo 2013.
Precio: 16,95 €.
Traducción: Nacho Bentz.
Temática: Autobiografía, derechos civiles, drama, cómic.
Correlación: Independiente.

A lo largo de 2012 hemos podido ver dos grandes películas estrenadas en la gran pantalla que explican de una forma más visceral y de otra más política, el drama sufrido por las personas afroamericanas en la llamada "Tierra de las Oportunidades", la que todos conocemos como Estados Unidos de América. En el caso de Django Desencadenado, unos cuantos años antes de que comenzase la Guerra Civil Americana y en el caso de Lincoln justo al terminar ésta, las dos cintas nos muestran la ardua lucha que distintos hombres y mujeres tuvieron que sufrir para poder conseguir que se les viera como personas, no como animales de los que se podía abusar y denigrar. Todo esto me lleva precisamente al año 1955, en el que Rosa Parks le dio a Martin Luther King la excusa perfecta para poder llevar a cabo la enésima lucha para poder conseguir la libertad para su pueblo, utilizando para ello el Movimiento por los Derechos Civiles de Estados Unidos. El simple acto de no querer levantarse para cederle su asiento a un hombre blanco provocó un estallido de indignación en la comunidad negra que conllevó una oleada de solidaridad y violencia a partes iguales por todo el territorio norteamericano.

De eso precisamente es de lo que trata El Silencio de Nuestros Amigos, en el que veremos como los distintos personajes del cómic se enfrentan a los prejuicios por ser de una u otra raza, mientras intentan mantener ante todo pronóstic, la gran amistad que ha surgido en medio de tan crueles circunstancias entre ellos. Ante todo tenemos que tener claro en qué lugar se ubica la trama: Texas. Como uno de los últimos estados que tardaron en adaptarse al resultado de la Guerra Civil Americana y como parte de uno de los estados segregados, los prejuicios raciales aún siguen muy presentes a mediados del siglo XX. Es por esta causa que un grupo de institutos se unieran para crear una "universidad para negros", que terminaría siendo la TSU (Texas Southern University), y que no sentó muy bien a la sociedad en general que trató de boicotear todos los intentos de los más de mil quinientos estudiantes de color que solicitaron matrícula para reclamar los derechos que gran parte de la comunidad blanca les negaba. Al fin y al cabo, todo esto podría haberse reducido a unos cuantos enfrentamientos dialécticos entre racistas y liberales, pero empezaron a aparecer grupos radicales en ambos bandos, como el Ku Klux Klan y su opuesto Las Panteras Negras.

Entre los dos comenzaron las matanzas y amenazas utilizando las calles para ello, y en ocasiones, utilizando de justificación las protestas pacíficas que realizaban los estudiantes de la TSU, manipulando las noticias que se emitían por los canales de televisión, todos ellos dirigidos por personas de raza blanca. Tomando pues como punto álgido el atropello de una niña de color en la llamada Avenida Wheeler –una avenida que cruza totalmente la TSU y que terminaba en una iglesia baptista; una calle, utilizada normalmente por los racistas de la zona para insultar a la gente de color–, toda la comunidad afroamericana se alza para volver a reclamar sus derechos haciendo una sentada en la universidad, lo que se saldará con una acción policial desproporcionada en el que morirá un agente de policía y otro resultará gravemente herido.

El Silencio de Nuestros Amigos lo considero recomendable no solo por su historia, sino también por la expresividad de la que están cargados los dibujos de Nate Powell, con esos tonos grises que no cansan a la vista, sino que nos ilustran una época que debe de verse precisamente en ese color, mucho más con la temática que posee esta fabulosa historia. Igualmente diré que quizás los diálogos podrían haber sido más complejos, intentando meternos en la trama de una forma distinta, pero es posible que esto haya sido algo intencionado, así que tampoco lo considero una nota especialmente negativa. Este cómic creo que es uno de esos que no se debe de perder la oportunidad de tener, ya que no solo nos ilustra sobre aquellos años sesenta en los que los derechos de la gente de color eran vulnerados, si no que demuestra cómo el poder se movía a instancias de ciertos sectores de la sociedad más conservadores, como bien era el departamento de policía. Si queréis saber cómo acabó esto os aconsejo que no lo leáis una sola vez, sino que hagáis varias relecturas, ya que en las mismas acciones de los hijos de los dos protagonistas veréis muchos mensajes que en una primera ojeada podrían pasaros desapercibidos. ¿Lo mejor de todo? Es el primer cómic autobiográfico que leo, ya que serán las vivencias de Mark Long en su más tierna infancia lo que se ha representado hasta la página 191, y el mismo que escribirá al final de su historia una de las citas más famosas de Martin Luther King: "... al final no recordaremos las palabras de nuestros enemigos, sino el silencio de nuestros amigos".

Cyram mayo 29, 2013

30 de abril de 2013

Reseña: «Brújulas que buscan sonrisas perdidas», de Albert Espinosa

Título original: Brújulas que buscan sonrisas perdidas.
Edición: 240 págs. Grijalbo, marzo 2013.
Disponible en ebook: Sí.
Precio: 16,90 € (rústica con solapas) / 9,99 € (electrónico).
Traductor: Obra original en castellano.
Temática: Novela, drama.
Correlación: Independiente.

Creo que a estas alturas sería un poco redundante presentar a Albert Espinosa. Sin embargo, pensando que siempre puede haber algún atrevido que quiera comenzar a leer sus libros, le presentaré brevemente como "el escritor que escribe tal como él hablaría". Muchos os preguntaréis: "¿qué se le habrá pasado a esta chica por la cabeza para describirlo de esta manera?". Muy sencillo, creo que este autor ha tenido tanto éxito con la gran mayoría de libros que ha escrito, los guiones que ha preparado para la televisión como en el caso de la serie Pulseras Rojas, al igual que con otros trabajos para películas como Planta 4ª, porque tiene el don de saber expresar sus sentimientos y creencias mediante las anécdotas de sus personajes.

No es ningún secreto que el género en el que podemos englobar todos sus libros está en el terreno de la auto-ayuda, pero no creo que sea un libro como tal en lo que al término se refiere. No pertenece a ese espectro de libros que, mientras lo lees, estás pensando que te has debido de volver medio loco para tragarte las miles de tonterías sobre el amor, la felicidad, la paz, la constancia y mil cosas más que, al fin y al cabo, no van contigo, ya que nadie que realmente necesite un libro de auto-ayuda recurre a un libro de auto-ayuda, aunque sea algo paradójico.

Ya en otra ocasión os reseñamos por aquí su anterior libro llamado Si tú me dices ven lo dejo todo... pero dime ven, en el que la historia del protagonista se centraba en la adolescencia que había tenido, para terminar marcado por un acontecimiento muy doloroso: la pérdida de su futuro hijo. Trastornado completamente por la tristeza y por esa barrera que cada vez más lo separó de su compañera, el autor nos lleva de la mano hacia un final completamente sorpresivo y realmente impensable. Os cuento todo esto porque en esta reseña me gustaría empezar por el final, por eso de hacerlo un poco distinto a otras en las que ya me habréis leído.

Los títulos que el autor pone a los capítulos, tan característicos de su obra

Para mi gusto, el final de Brújulas que buscan sonrisas perdidas no tiene la misma fuerza que tuvo el final del libro anterior. Considero que el autor quizás ha intentado evitar cierta polémica, cerrando de forma quizás demasiado apresurada una historia que podría haber dado mucho más de sí y que estaba cargada de emotividad y de una cruel belleza. Quizás me habría esperado algo menos predecible, mucho más pensando que utiliza un recurso con el que empieza la novela (no quiero desvelar cual es para no fastidiaros el final). Posiblemente le he dado demasiado valor a Albert Espinosa en lo que a finales se refiere, cuando quizás no me he leído suficientes libros suyos como para haber hecho ese juicio de valor.

"En el fondo cree
que no hay nadie verdaderamente feliz y que todos los humanos de este planeta tienen sus propios problemas"

Independientemente de mi impresión, dejadme que os explique que la historia en sí me ha gustado mucho. Es posible que sea de las más flojitas que tenga el escritor, pero su capacidad de escribir de una forma sencilla y clara siempre hará que el lector vuele por sus páginas sintiéndose plenamente cómodo y confiado dentro de la trama, a parte de que creo que por motivos personales, quizás la historia me haya tocado un poquito la fibra en mi interior. El protagonista en este caso será un chico llamado Ekaitz –personaje que estará sin nombre durante gran parte de la historia, algo que me ha parecido bastante curioso y que denota lo innecesario que es nominar al personaje principal para que el argumento siga su curso–, miembro de una familia de cuatro hermanos, una madre muy enferma y de un padre director de cine chapado a la antigua, su historia se ve marcada por la tragedia de una forma bastante recurrente. Tras recibir la llamada de alguien cercano a la familia, comunicándole que su padre, enfermo de alzheimer, está pasando por sus últimos momentos entre estertores de agonía debido también a un cáncer muy avanzado, el protagonista se verá inmerso en una debacle de recuerdos muy dolorosos. Tendrá que luchar entre el odio que le profesa a su padre y la tentación de dejarle completamente abandonado igual que hizo su hermano mayor o la promesa que le haría a su madre antes de que ésta muriese. Igualmente también tendremos dos puntos contrapuestos, los recuerdos de Ikaitz, totalmente sanos en los que predomina la añoranza hacia su madre, su mujer, y dos de sus hermanos, junto con el odio que le profesa a su progenitor y los momentos de lucidez y de desorientación de su padre, en los que no reconoce a su hijo y le toma por el productor de su próxima película.

Es curioso, pero por el momento no he leído ningún libro de Albert Espinosa en el que sus personajes sean personas completamente felices. Quizás es porque en el fondo cree que no hay nadie verdaderamente feliz y que todos los humanos de este planeta, ya sean ricos, pobres, famosos o completamente desconocidos, tienen sus propios problemas y que, de una manera u otra, termina afectando a nuestro día a día. Pero no me estoy refiriendo a las hazañas que puedan vivir las personas cuando ya están en la vida adulta. En ocasiones –por no decir la mayoría de las veces–, las vivencias que tenemos de pequeños son las que más pueden marcar nuestro camino hacia un lugar o hacia otro. Nuestros progenitores, nuestro entorno, nuestra educación y hasta nuestras travesuras, son las que en un futuro, nos definen tal y como terminaremos siendo. Creo, pensando en los dos últimos libros –y los primeros– que me he leído de este autor, que sus historias no están destinadas a aquel que pueda estar pasándolo mal. Con esto quiero decir, que no creo que sea una lectura adecuada si tenemos ciertos problemas sentimentales que resolver, ya que la carga emocional que tienen sus historias pueden afectarnos de una forma seria. Tengo la obligación moral de recomendar este libro para aquellos que quieran descansar un poquito entre lecturas, pero que quieran darle un poquito de "tralla" a su corazón. Son libros para pensar, analizar y hacerse preguntas, por lo que si estamos en algún momento anímico flojo, debemos de ser cautos con las palabras de Albert Espinosa. Su facilidad a la hora tanto de escribir como de expresar distintas situaciones complicadas, son verdaderos puñales dirigidos a ese lugar que tenemos escondido en nuestros corazones y que enseñamos a muy poquitas personas. Ese lugar oscuro, que siempre está presente en el borde de nuestro "espacio visual", que nos cambia, nos moldea, pero al que intentamos no tener presente. Con este autor es muy probable que lleguéis a abrir la llamada "caja de los truenos", como lo llama Pasqual Ferry.

Así pues, no voy a recomendaros este libro, simplemente os diré que a mi personalmente me ha parecido una historia muy bonita cargada de flasbacks. Podría haber sido mejor, pero en estas historias, supongo que el cincuenta por ciento es cosa del autor y el otro cincuenta depende de cada uno, así que creo que los que mejor deberíais de decidir si debéis leerlo o no sois vosotros. Leed el primer capítulo y si os engancháis... seguid leyendo. Es la mejor opción.

Cyram abril 30, 2013

4 de febrero de 2013

Reseña: «El Atlas de las Nubes», de David Mitchell

Título original: Cloud Atlas.
Edición: 608 págs. Duomo Ediciones, col. "Duomo Nefelibata", noviembre 2012.
Disponible en ebook: No.
Precio: 21 €.
Traducción: Víctor Vicente Úbeda Fernández.
Temática: Ciencia-ficción, drama, misterio.
Correlación: Independiente.

El Atlas de las Nubes es ese libro que impone cuando uno lo ve en la librería. Es ese libro que te sugiere que lo cojas, que lo ojees, que incluso te plantees comprarlo y no esperar a una posible edición en bolsillo más económica. Es ese libro que, de una manera u otra, el destino ya ha decidido que va a acabar en tus manos. Porque como reza el comentario de la portada “todo está conectado”, así que tarde o temprano acabará en tu biblioteca. Y digo todo esto, no solo porque a mí me ha pasado ya, sino porque después de leerlo considero que El Atlas de las Nubes sea tal vez el primer gran clásico del siglo XXI. Consejo número 1: toma papel y boli al iniciar la lectura. Cada persona tiene su método, cada cual lo disfruta de una forma. Pero es probable que se necesiten tomar ciertos apuntes, sobretodo en el posible caso de no leer el libro del tirón, sino a ratos libres. Nada del otro mundo, pero es que su estructura lo requiere, para hacer más fácil la conexión de ideas.

Comenzaré por ahí. El Atlas de las Nubes es una novela que desafía toda lógica narrativa. Pondría como ejemplo la excepcional película del maestro Christopher Nolan Origen para ilustrar con más detalle mis palabras. Se trata de un arriesgadísimo y original reto para el lector en el que, a través de éste puzzle, de esta muñeca rusa que es la novela, Mitchell nos narra seis historias de seis personajes en seis vidas distintas en seis épocas diferentes. Y el hecho de tomar los apuntes no es para otra cosa más que poder tenerlas frescas cada una de ellas, pues no están contadas de forma lineal sino que, como si de una cebolla se tratase, vamos avanzando en el tiempo, historia tras historia, dejándolas todas a medio contar para llegar a la sexta y más alejada en el tiempo histórico y desde ahí, volver atrás nuevamente hasta la primera. ¿Complicado? Mejor diría descarado. Y es que la gracia del juego radica en relatar los hechos de este modo, pues linealmente la cosa perdería mucho fuelle.

Pero esta historia coral tiene mucho más. Adam Erving viajando a bordo de un galeón por el Pacífico en el siglo XIX, Luisa Rey tratando de sacar verdades a la luz a finales de los 60, Sonmi-451 en un futuro robótico tal vez no muy lejano o Zachry el Cagueta en una Tierra ya post apocalíptica. Todo un desfile de personajes, de épocas y de situaciones aparentemente distintas y distantes, pero que de algún modo van a estar “conectadas”. (Prometo que mis apuntes finales han acabado llenos de rayas de colores, con hilos argumentales, conexiones, etc…). El puntazo narrativo tiene su colofón en la manera en que cada una de las historias está contada. Diario, cartas, entrevista, narración en primera persona, hay de todo. Y cada una de ellas perfectamente ambientada en un lugar y época distintos, con una recreación de los detalles perfecta, cuidando hasta lo más mínimo incluso la manera de hablar y la psicología de sus personajes, acorde con el momento y lugar.

Aprovecho la ocasión para mencionar que la novela ha sido adaptada y llevada a la gran pantalla por los hermanos Wachowski (ahora hermano y hermana), padres de la trilogía Matrix. Tendremos la oportunidad de verla en España a finales de febrero. Mi primer pensamiento al enterarme de ello fue “imposible adaptarla”, pero después de ver el tráiler me da la impresión que va a ser una gran película. Cuenta con un reparto de lujo con Tom Hanks, Halle Berry, Hugo Weaving, Susan Sarandon y Hugh Grant a la cabeza. Eso sí, parece que le han dado una vuelta de tuerca más para realizar la conexión de historias añadiendo algún elemento nuevo que no se ve reflejado en la novela tanto ni de la misma manera. En cualquier caso, cuando la vea, reflexionaré sobre esto. Quiero advertir que bajo mi punto de vista, el montaje de dos minutos y pico es un cúmulo de spoilers, así que si os gustan las sorpresas, mejor quedarse quietos.

El título del libro se debe a la música, pues El Atlas de las Nubes en sí es el sexteto que pretende componer en su historia uno de los protagonistas. Aquí viene el detalle mágico: uno no puede dejar de imaginarse la música cuando lee, así que cuando escuché la banda sonora de la película por primera vez y sonaron esas fabulosas primeras notas de piano dije: “–¡Así es, así es como me la imagino! ¡Muy grande!” Y entonces vi el tráiler donde uno de los personajes dice una frase que no aparece en la novela y sí en el guion, que me dejó de piedra: “–Esa es, la música de mi sueño.” Fascinante, porque parece que Mitchell ha dado en el clavo, todo está conectado, incluso más allá del libro.

Como filólogo inglés y puntilloso me gustaría matizar que no estoy de acuerdo con un par de detalles por parte del traductor. Si el lector español no sabe lo que es la yellow press mejor traducir por “prensa rosa o del corazón” (p.173), para facilitar el total entendimiento. Como tampoco comparto la no traducción del nombre Frodo Baggins por el de Frodo Bolsón (p.182), nombre por el que es conocido en nuestro país, por muy popular que sea, simplemente para mantener la coherencia de tu trabajo. Y ya digo, solo por ponerme quisquilloso. De la misma manera me quito el sombrero ante la traducción del capítulo “El cruce de Sloosha y toda la pesca” por la cantidad de palabras adaptadas a la jerga “de pueblo” creada por el autor, o puedo alabar el capítulo “La antífona de Sonmi-451” en la que se intenta mantener el significado de términos futuristas completamente inventados, entre otros detalles magníficos, a cargo de Víctor V. Úbeda.

Así pues agradecer a la editorial Duomo por habernos brindado la oportunidad publicando este texto del que tanto tiempo andaba detrás. Sí, y aprovechando el tirón de la película, obvio. Pero a vosotros, personas nefelibatas*, os digo: cada vez que sostengo mi ejemplar en la mano me da la sensación que tengo ante mí un libro histórico, una de esas operas magnas que tal vez un día los futuros estudiantes de filología tengan que analizar en clase como hice yo una vez con los Shakespeare, Conrad, Browning, Shelley, Golding, Steinbeck o Salinger, entre otros. Porque, no lo olvidéis, todo está conectado. Siempre. Amén.

*Nefelibata. 1 adj. Persona soñadora, que anda por las nubes.

Unknown febrero 04, 2013

17 de enero de 2013

Críticas de cine: «Argo», de Ben Affleck

Título original: Argo.
Dirección: Ben Affleck.
Guión: Chris Terrio, Joshuah Bearman (por el artículo "Escape from Tehran"), Antonio J. Mendez (autor del libro Master of Disguise).
Producción: Warner Bros. Pictures, GK Films, SmokeHouse Pictures.
Nacionalidad: Estados Unidos.
Duración: 120 min.
Estreno en España: 26 de octubre, 2012.
Temática: Thriller, drama, histórica.
Correlación: Independiente.

Creo que todos podemos recordar algunas películas bastante curiosas como Dogma (Matt Damon, Jason Mewes, Kevin Smith, Alannis Morrisette, etc), Daredevil (Collin Farrel, Jennifer Garner) y otras muchas, donde habrá un denominador común llamado Benjamin Geza Affleck, o como solemos conocerle más habitualmente, Ben Affleck. Pese a ser junto con Matt Damon el escritor del guión de la película El Indomable Will Hunting –por el que ganarían un Globo de Oro y un Oscar a Mejor Guión Original–, ha cobrado fama debido a películas de baja calidad como han podido ser Gligli, en la que actuó junto con su ex-mujer, Jennifer López. Es por eso por lo que Affleck siempre me había parecido un actor bastante mediocre.

Cual es mi sorpresa cuando después de un montón de años en el que lo único que supe de él fue que su ex Jennifer López se había asegurado el trasero por no se cuántos millones de dólares y que en su contrato matrimonial le pedía como cláusula acostarse con ella no se cuantas veces a la semana… ¡CHAS! Aparece en una película como director y con una temática bastante interesante. Un aparente thriller político que realmente es una narración de los acontecimientos que tuvieron lugar en Irán en 1979, cuando un grupo de exaltados iraníes asaltaron la embajada norteamericana en Teherán, matando a muchos en el asalto y las distintas revueltas que se sucedieron desde aquel día. Únicamente pudieron escapar seis personas. Estas, las protagonistas de la película, corriendo un grave riesgo para sus vidas, tuvieron que pedir asilo en la residencia del embajador canadiense. Salvadas por el momento, se encontraron en una situación en la que podrían poner en peligro las relaciones internacionales del gobierno canadiense con el gobierno iraní por haber ofrecido asilo a dichos personajes. Declarados traidores al pueblo por ser ciudadanos del país que envió a la CIA, con la colaboración del MI6 británico, a derrocar al líder que todos los iraníes habían elegido democráticamente –el tal Mossadegh–, a cambio de un títere adiestrado por las dos grandes potencias que volvía a darle la manipulación de los recursos naturales del país a las potencias extranjeras –el Sha Pahlevi–, en vez de darle su control al pueblo como hizo Mossadegh.

Retenidos pues nuestros protagonistas en Teherán sin posibilidad de huir con una revuelta social en su apogeo, el gobierno de los EE.UU empezará a esbozar distintos planes de acción para sacar a los funcionarios acorralados. En pleno desfase de ideas, a cada cual más rocambolesca, aparecerá nuestro actor y director, Ben Affleck en el papel de Tony Mendez, un hombre serio y pensativo, experto en rescates de máximo riesgo, al que se le ocurre una idea bastante divertida a la par que peligrosa: sacar a los "rehenes" convertidos en actores de una película de ciencia ficción que un supuesto loco productor americano quiere grabar en Irán. Como os podréis imaginar, se llamará Argo y podréis ver mil guiños a distintas películas de la época, en concreto a La Guerra de las Galaxias, de la que incluso tomarán la idea de pintar a un Chewbacca de azul. Para la consecución de la misión se realizarán distintas tapaderas, a cada cual más creíble, utilizando tanto para el maquillaje como para los recursos técnicos y legales a dos figuras bastante importantes en la historia de Hollywood: Alan Larkin y John Goodman, quienes ponen en ocasiones esa pequeña nota de humor que nos hace falta para distender un poco la tensión que provocan los acontecimientos en Teherán.

❒ «Argo» se basa en el libro homónimo escrito por Antonio Joseph Mendez (interpretado por Ben Affleck). Edita RBA Libros, 304 págs, octubre 2012.

Teherán, 4 de noviembre de 1979. La revolución iraní da un vuelco cuando la Embajada de los Estados Unidos es asaltada por un grupo de estudiantes alentados por el ayatolá Jomeini. Se teme por la vida de los rehenes que han quedado en su interior y, de hecho, la tensión va en aumento a medida que las negociaciones para su liberación se tornan cada vez más infructuosas. Argo es la historia de cómo un agente de la CIA, Antonio J. Mendez, ideó y ejecutó un plan tan rocambolesco como ingenioso para conseguir que dichos rehenes escapasen sanos y salvos de las manos de sus captores.

Lo curioso de esta película no es ya la calidad técnica y fotográfica de los planos, sino que han querido representar fielmente todo lo que ocurrió durante aquellos tensos días. En el tráiler bien podría parecer que Argo pueda ser una película de acción al más puro estilo Ronin, cosa que también lleva a error el mismo cartel publicitario. Sin embargo, bien puedo decir que gracias a esto habrá muchas personas que se hayan visto una película muy interesante, cargada de referencias históricas e impactante como quizás haya visto pocas a lo largo de mi vida.

Curiosa por la forma tan magistral en la que Ben Affleck sabe plasmar el miedo, la incredulidad y el suspense, indagué un poco en su biografía. Fue en aquel momento cuando descubrí eso que se denomina “diamante en bruto”. Resulta que nuestro actor venido a menos, terminó los estudios especializados en política de Oriente Medio, por lo que tenemos ante nosotros a un director que realmente sabe qué es lo que quiere mostrar y como quiere hacerlo gracias a sus años de experiencia con los astros del celuloide. Como resultado nos queda una cinta realmente impresionante, educativa e impactante, que nos recuerda acontecimientos que hoy en día parecen haberse olvidado. Un guión capaz de dejarte pegado a la butaca del cine sin parpadear siquiera para no perderte ningún fotograma de una película en la que, sin llegar a pegarles ni un solo tiro a nuestros protagonistas, tiene la mayor mezcla de acción y violencia jamás vista por mí hasta este momento. Para mi gusto, acaba de nacer un nuevo tipo de película de acción en el que se combina la historia política de un país tan tempestuoso como Irán y la capacidad de supervivencia de esos funcionarios políticos bien asesorados por la figura de Ben Affleck –en el papel de Tony Méndez–, un experto en rescates de la CIA.

P.D.: Cuando la veáis me gustaría saber si a todos os pareció igual de sorprendente que a mí las propuestas que daban los supuestos “entendidos” en el comité de crisis de Estados Unidos, para poder salvar a esas seis personas… Para mi gusto, es la nota cómica de la película.

P.D. 2: Se me olvidó comentaros en la reseña que, tras la reciente celebración de los Globos de Oro, Argo ha conseguido dos premios. Uno en la categoría de mejor película de drama –pese a que las encuestas indicaran que sería Lincoln la agraciada– y otro en la categoría de mejor director. Creo que Argo realmente ha sorprendido en muchos aspectos, tanto a crítica como a público por la gran capacidad de gestión y dirección de Ben Affleck. Si aún no la habéis visto, no perdáis la oportunidad de hacerlo en cuanto podáis.

Cyram enero 17, 2013

16 de octubre de 2012

El Rey Banal – Antoine Ozanam y Kyung-Eun Park

Título original: Le Roi Banal.
Guión: Antoine Ozanam.
Dibujo: Kyung-Eun Park.
Color: Kyung-Eun Park.
Edición: 120 págs, color. Dibbuks, septiembre 2012.
Precio: 16 €.
Disponible en ebook: No.
Traducción: Diego Álvarez.
Temática: Drama, humor.
Correlación: Independiente.

A medida que he ido conociendo el mundo del cómic después de todos estos años, me he ido dando cuenta de que el llamado "noveno arte" es tan diverso como ese género tan querido y conocido que es la novela. Por esta razón no tendremos entre nuestras manos únicamente historias de superhéroes con poderes increíbles, mundos de ficción comandados por rudos bárbaros con largas espadas o naves espaciales que se lanzan a la conquista de lugares remotos. Hay veces que esta variedad favorece la aparición de un estilo de cómic que a mi me gusta denominar "concienciador". Con esto me refiero a que hay cómics en los que podemos aprender un poco más de la naturaleza humana que en ocasiones puede ser tan cruel como compasiva y de paso tener esa capacidad para aceptar que, tal y como dice el dicho, "la realidad supera con creces la ficción".

Os digo todo esto porque he visto de un tiempo a esta parte que cómics del estilo Chico & Rita –llevado a la gran pantalla por Fernando Trueba y Javier Mariscal– o Arrugas, se convierten en grandes éxitos de ventas. Mostrándonos una historia real, algo que podría pasar en nuestro día a día sin tener nada que ver con los argumentos que anteriormente os he expuesto. Precisamente, de esa vertiente artística sale una obra como la de "El Rey Banal", que es sobre lo que os quiero hablar en esta reseña.

Realizado por Antoine Ozanam y Kyung-Eun, el cómic nos muestra con un estilo muy BD la historia de un señor mayor –con el que reconozco que he tenido cierto dejá vù con el abuelete de Up, la película de Pixar– y su perro. Al haber perdido a su esposa hace muchos años y al no tener una relación muy cariñosa con su hija, se encuentra a una edad avanzada, con esa soledad a la que quizás todos le tengamos un poquito de miedo. Lo único que puede alterar normalmente estos periodos vacíos, suele ser la visita esporádica que le hace su hija con su hijo y su marido, el cual pese a parecer inicialmente un personaje sin importancia, podremos comprobar cómo la historia da un giro. Las viñetas están muy claramente completadas, la historia tiene una coherencia perfecta y reconozco que las ediciones de la editorial Dibbuks son de gran calidad. Con lo que creo que si os hacéis con este cómic no estaréis perdiendo dinero, todo lo contrario, haréis una buena inversión desde mi humilde punto de vista.

Así pues, con respecto a la historia, no quiero contaros mucho más porque considero que merece la pena descubrirla poco a poco, tal y como se paladean los mejores chocolates –y también los quesos, según dicen–, por lo que simplemente os diré que en el hogar de este señor mayor no aparecen los típicos sillones con tapetes de croché y la televisión sonando en la penumbra. Lo que nos encontraremos será un auténtico salón del trono, con un paje como los de antes y por supuesto con una corona. A todos nos ha gustado sentirnos reyes por un día porque... ¿quién no se ha puesto la corona del roscón de reyes alguna vez?

Lo dicho, es un cómic muy emotivo, interesante, educativo, recomendado para aquellos que no logran encantarse con el mundo de las viñetas, los globos de conversación y con las expresiones de los personajes dibujados. También creo que es un cómic especialmente bueno para aquellos que han podido convivir en algún momento con una persona mayor, quizás de esta manera podamos tener una mejor empatía hacia esas personas que han vivido tanto y que, pese a tener achaques, pierden un poco la memoria, teniendo que utilizar dientes postizos. Personas cargadas de sueños, ilusiones y con muchísimas ganas de vivir, tratando de solucionar esos problemas de los que quizás antes no fueran muy conscientes. Es más, si podéis enseñarle esta obra a vuestros abuelos e ir explicándosela quizás os llevéis alguna sorpresa, como que su casa quizás sea también un reino independiente como el de Georgettia.

Cyram octubre 16, 2012

19 de septiembre de 2012

En el Corazón del Bosque – John Boyne

Título original: Noah Barleywater Runs Away.
Edición: 224 págs. Salamandra, junio 2012.
Disponible en ebook: Sí.
Precio: 13 €.
Traducción: Patricia Antón de Vez.
Temática: Drama, cuento.
Correlación: Independiente.

La primera cosa que uno suele hacer cuando coge un libro es darle la vuelta y leer la trasera para ver de qué va. Bien, he de decir que para disfrutar mejor de esta lectura, no es una buena idea. No tanto por el breve resumen del argumento, prácticamente sin importancia, sino por las mínimas anotaciones editoriales que pretenden ilusionar si cabe al lector y que para mi gusto rozan el spoiler.

Aclarado este punto, lo que tenemos entre manos es pues la nueva novela de John Boyne: “En el corazón del bosque”.

A día de hoy Boyne se ha convertido en un autor de cierto renombre, pero para quién aún no tenga el placer de conocerle, seguro que un título le provocará un “aaaahhhhh” de manera casi automática: El Niño con el Pijama de Rayas (Salamandra, 2007). Si bien esta no es la primera novela del escritor irlandés, sí que fue la que le dio ese prestigio y reconocimiento mundial al tratar de una manera tan delicada un tema tan controvertido, ya que nos mostraba desde los inocentes ojos de Bruno –un niño de 9 años– el momento en el que el nazismo alcanzaba sus días mejores (si se me permite este cruel contrasentido literario).

Cinco años y varios bestsellers después nos llega esta En el Corazón del Bosque que, por varios motivos , tiene cierto parecido al ya clásico “Pijama de rayas”. El tamaño de la edición es exacto, el número de páginas casi el mismo y la estructuración por capítulos similar. Eso hace que inevitablemente sintamos ganas de leerlo si nos gustó el anterior. Pero no solo físicamente se parecen. En el Corazón del Bosque está protagonizado por otro niño de 8 años, Noah, quién por motivos desconocidos se escapa de casa para vivir una serie de extrañas aventuras que le llevarán hasta una misteriosa tienda de marionetas en la que conocerá al otro protagonista de la historia, el Viejo. Juntos recordarán un montón de anécdotas y aventuras en el intento por parte del Viejo de averiguar el motivo de la huida de Noah.

De entrada el libro nos puede parecer un cuento infantil que si se mira mejor nos acabará pareciendo un cuento para adultos. En realidad es mucho más que eso; se trata de un cuento para ambos, donde a través de geniales frases y reflexiones uno tendrá que sacar sus propias conclusiones ya no solo de la historia y la vida de los personajes, sino de la suya propia. Puede que el lector novel caiga en la trampa y sea llevado donde Boyne pretende llevarnos. Es posible, es algo que ya le funcionó años atrás cuando pretendió que, junto a Bruno, viésemos los campos de concentración sin saber de qué se trataba y solamente lo pudiésemos suponer a partir de los mínimos detalles, de manera que si no era así, la gran sorpresa final nos estallaría en la cara. Pero el lector más experimentado esta vez no va a caer en la trampa; al menos aparentemente. Desde el principio uno tiene claro que Boyne está jugando a un juego del que probablemente no podremos interpretar tan fácilmente la respuesta esta vez. Los detalles no dejan de estar presentes, y lo genial es entenderlos una vez terminada la novela. La omisión de los nombres de lugares y personajes es una muestra que nos hace preguntarnos hacia dónde vamos y, amigo lector, esta es una respuesta que solamente encontrarás si llegas hasta el final de la lectura.

Que la conclusión del libro nos guste o no, eso ya depende de cada uno. La lectura es ágil y se disfruta, y los capítulos son breves, con una estructura muy sencilla y lineal. Hay todo un desfile de curiosos personajes que provocan las situaciones más inverosímiles, desde perros salchicha y burros hambrientos hasta héroes del pasado, campeones de lo imposible. Noah nos recuerda mucho al Max de la sublime Donde viven los monstruos (Spike Jonze, 2009) y el bosque (universo) en el que se adentra está plagado de guiños hacia la literatura universal, paralelismos, sinsentidos y metáforas que componen una bella partitura, dirigida por el Viejo, de inevitable asociación con el protagonista de la obra maestra de Tim Burton, Big Fish (2003), Edward Bloom. Puede que el avanzar en la lectura y no tener una clara referencia del rumbo que estamos siguiendo nos lleve a pensar en el abandono. Pero de lo que estoy seguro es que cuando uno llega al final no va a poder evitar que en su rostro se atisbe una sonrisa y en su corazón tintinee un viejo sentimiento de emoción. Si no me creéis, haced la prueba.

Unknown septiembre 19, 2012

19 de abril de 2012

Reseña: «La Capa», de Joe Hill, Jason Ciaramella y Zach Howard

Título original: The Cape One Shot y The Cape 1-4 USA.
Guión: Joe Hill, Jason Ciaramella.
Dibujo: Zach Howard.
Edición: Cartoné, 152 págs (color). Planeta DeAgostini, abril 2012.
Precio: 14,95 €.
Traducción: Nacho Bentz.
Temática: Superhéroes, villanos, drama, infancia.
Correlación: Independiente.

Desde siempre, la capa ha estado considerada como una parte más de la indumentaria del superhéroe. Como mero adorno o como prenda indispensable a la hora de conferir al sujeto la capacidad de volar, ha sido todo un icono cultural en el mundo del cómic (Alan Moore aportó su granito de arena en Watchmen, otros como Mark Millar directamente la suprimen en Wanted). Sea villano o superhéroe el portador de la prenda, es un distintivo, una marca. Eso le ocurre a Eric, el protagonista de La Capa, un cómic escrito originalmente por Joe Hill (El Traje del Muerto, Fantasmas...) –seudónimo del hijo de Stephen King, aunque está mal que lo digamos debido a querer forjarse un futuro propio independiente al apellido de su padre–, adaptado de un relato en prosa que a su vez fue recogido en forma de one-shot por Jason Ciaramella tras su paso por las antologías de Locke & Key.

Un relato sobre la frustración protagonizado por un treintañero, Eric, un ser solitario, malhumorado, sin trabajo, que de pequeño tuvo un accidente mientras jugaba con su hermano a ser superhéroes. Desde entonces no ha levantado cabeza, hundiéndose a cada día que pasa en una espiral de odio contra sí mismo. Porque La Capa es un relato maduro sobre el odio hacia la propia persona y que en muchas ocasiones termina salpicando a nuestros semejantes, que tratan de ayudar en las más de las veces. Eric, en lugar de utilizar los poderes de su ajada capa, un recuerdo infantil, lo utiliza para vengarse de todos aquellos que le rodean, en una espiral de muerte y destrucción.

Una vuelta de tuerca al concepto del clásico antihéroe con poderes, salvo con la diferencia de que aquí no hay héroes, sino un villano de tomo y lomo, amargado, culpable de la vida que lleva pese a que no sea capaz de admitirlo. Podríamos decir que es el fiel reflejo (obviando los detalles de ficción, aunque la realidad siempre superará a la ficción) de muchos de los adultos hoy en día que no saben que hacer con su vida, han perdido su trabajo, no han querido, o no han tenido ocasión de estudiar, que han llegado a tal grado de frustración que su propia personalidad y relación con su entorno se han visto seriamente alterados.

Salpicada de secuencias impactantes cuanto menos, La Capa es una lectura absolutamente recomendable, un tebeo original y redondo. En mi opinión una lectura algo corta, pero intensa a más no poder por su toque de terror, y que invita a la reflexión sobre la psicología del personaje central tras su amarga lectura. Espectacular el dibujo de Zach Howard, que se completa con una capa superpuesta sobre el color de Nelson Daniel que añade profundidad a la obra, dotándola al mismo tiempo de un sabor a tebeo antiguo muy bien conseguido. La edición de Planeta DeAgostini en tapa dura se completa con el manuscrito anotado de la historia original de Joe Hill y las portadas originales, tanto a color, como en blanco y negro.

Loren Sparrow abril 19, 2012

25 de febrero de 2012

"J. Edgar", de Clint Eastwood

Título original: J. Edgar.
Dirección: Clint Eastwood.
Guión: Dustin Lance Black.
Producción: Imagine Entertainment, Malpaso Productions, Wintergreen Productions.
Duración: 137 min.
Estreno en España: 27 de enero, 2012.
Temática: Histórica, biopic, drama.
Correlación: Independiente.

UNA DE LAS GRANDES OLVIDADAS en la 84ª edición de los Academy Awards (o los Óscar de 2012, que tendrá lugar mañana por la noche) es la última película del hombre multitarea Clint Eastwood, un biopic donde Leonardo DiCaprio interpreta al primer director del FBI (Federal Bureau of Investigation), John Edgar Hoover, tras dejar patente que la organización estaba corrupta hasta la médula. El actor, productor, guionista y músico (entre otras cosas) Clint Eastwood, nos regala un film donde la condición del ser humano es palpable en cada uno de sus actos, y tras los cuales se esconden personas, pese a todo.

Loren Sparrow febrero 25, 2012

21 de diciembre de 2011

Clásicos Disney: "El Rey León", de Roger Allers y Rob Minkoff

Título original: The Lion King.

Fecha de estreno (España): Noviembre 1994 (primer estreno); Diciembre 2011 (reestreno).

Duración: 89 min.

Temática: Drama, musical, animación, comedia, aventuras.

Correlación: Independiente.

Con el reestreno en el formato de las tres dimensiones, también en digital, de El Rey León, vamos a aprovechar para hablar un poco de todo un clásico que, allá por inicios de la década de los noventa, supuso un nuevo destello en el mundo de la animación made in Disney, una de esas grandes películas que la compañía del ratón elevó a la categoría de obra maestra, a día de hoy situada entre los grandes clásicos indiscutibles de la empresa como Aladdín, La Bella y la Bestia, Blancanieves, La Cenicienta, La Sirenita o El Jorobado de Notre Dame, por poner ejemplos de las grandes películas que de una forma u otra a todos se nos han grabado a fuego en la retina. El Rey León caló hondo entre el gran público por su acertada recreación animada de la sabana africana, pero también por la poderosa banda sonora compuesta por Hans Zimmer para la ocasión, cuyas canciones, escritas por los galardonados Elton John y Tim Rice para la versión teatral, se sumaron a todo el imaginario que supuso en su momento El Rey León, en especial por el pegadizo tema de "Hakuna Matata". Pero esos no son ni mucho menos los únicos motivos del éxito de la cinta.

Loren Sparrow diciembre 21, 2011

5 de diciembre de 2011

"Hijos de la Anarquía": Primera Temporada, de Kurt Sutter

Título original: Sons of Anarchy: First Season.

Fecha de estreno (USA): Septiembre de 2008.

Duración: 45 min. por episodio (585 min. la serie completa).

Temática: Crimen, drama.

Correlación: Independiente.

No sé si en alguna ocasión habéis oído historias rocambolescas sobre aquellos que conducen una Harley Davidson, y se lanzan a la carretera a vivir como "nómadas" buscando el viento y el ronroneo del motor. Hay quienes dicen que son personas corruptas, vinculadas normalmente a asuntos turbios, ya sea con la prostitución, las drogas, las armas, o todo lo que puede englobar el llamado "crimen organizado". Si eso es lo que estáis buscando, la serie Hijos de la Anarquía (Sons of Anarchy) habla precisamente de todo este tipo de cosas. Pero quiero aclararos que todo lo que se explica aquí no es una generalización acerca de los moteros y su estilo de vida.

Cyram diciembre 05, 2011

21 de noviembre de 2011

"El Mentalista": Primera Temporada, de Bruno Heller

Título original: The Mentalist: First Season.

Fecha de estreno (USA): Septiembre de 2008.

Duración: 43 min. por episodio (1.320 min. la serie completa).

Temática: Crimen, drama, thriller.

Correlación: Independiente.

* * * * * * *

Creo que esta es la primera de muchas otras reseñas que tengo pensado realizar en un futuro. Considero que las series de televisión, al igual que las películas, son muy interesantes sobre todo teniendo en cuenta que en ocasiones pueden resultar algo repetitivas dependiendo de la temática, y que encontrar alguna que rompa esta norma, ya la hace digna de una reseña.

En este caso reconozco que no voy a hacer un análisis capítulo a capítulo, más que nada porque en concreto El Mentalista es una serie que en televisión va ya por la cuarta temporada. Sería algo absurdo rellenar toda la página de comentarios sobre cada uno de los capítulos.Además, para qué voy a mentir, soy incapaz de verme uno a uno y de forma paciente los capítulos de las series que me gustan, así que normalmente me fundo las temporadas en tres o cuatro días a lo sumo.

Cyram noviembre 21, 2011

11 de septiembre de 2011

"Las Tres Nueces", de Clemens Brentano

Reseña de Loren

Clemens Brentano (1788-1842) fue un novelista y poeta cuya obra encaja dentro del movimiento literario y filosófico conocido como Romanticismo alemán, que tanta herencia literaria nos ha dejado hasta nuestros días en la forma de multitud de imágenes fantásticas, una profunda semilla que ha ido evolucionando hasta dar forma a auténticos clásicos de la literatura, tanto para adultos como cuentos para niños (El Cascanueces de E.T.A. Hoffmann, sin ir más lejos). Debido a un duro golpe de la vida en el que murieron sus tres hijos, el último junto a su esposa, la escritora Sophie Mereau, Brentano comenzó a emplear la fe religiosa como método para dejar atrás todas sus desdichas, a las que debemos sumar un segundo matrimonio nada fructífero. Su lucha como poeta contra los últimos coletazos de Napoleón desde la ciudad de Viena, la publicación junto a su mejor amigo, Achim von Arnim (de quien podéis leer una reseña en El inválido loco del fuerte Ratonneau), de una antología de baladas populares y poesías líricas titulada Des Knaben Wunderhorn ("El cuerno encantado del niño"), así como la redacción de las visiones de la monja Katharina Emmerich, son los hechos más relevantes del autor.

Loren Sparrow septiembre 11, 2011

25 de julio de 2011

"Si tú me dices ven lo dejo todo... pero dime ven", de Albert Espinosa

La tercera novela del autor de 'El Mundo Amarillo', publicada por Grijalbo. Ir a la web oficial del autor.

Muy buenos días a todos, os escribo esto "de estrangis" para hablaros de un libro que he de reconocer, terminé casi enseguida que salió, pero al cual no le había hecho una reseña en todo este tiempo porque no sabía muy bien cómo abordar lo que he experimentado con él. Inicialmente diré que no suelo leer este tipo de libros, no ya porque no me gusten, sino porque quizás en las librerías mis ojos siempre se van a los libros, o bien de arte, o bien de fantasía. En el caso de los de arte, sus precios son prohibitivos, y en el caso de los de fantasía, si lo pienso bien a lo mejor tengo demasiados por leer aún y termino por irme con las manos vacías.

El flechazo que tuve con este libro fue gracias a una entrevista al autor que vi en el extinto programa de Buenafuente y en el que hablaron con gran habilidad, familiaridad y sinceridad de la obra de Albert Espinosa y de por qué escribió este libro. Tanto la forma de hablar de Albert como aquello a lo que se refería dentro de su obra me cautivó por completo. ¿Qué ocurrió con esto? Bueno, pues yo que siempre soy la que se está quejando porque le duelen los pies, del calor que hace o de que necesito un café para no desmayarme mientras el Capitán mira libros, fui la primera en acercarme a mirar justamente este. Su dedicatoria era la siguiente:

"Dedicada a todos los que siguen queriendo ser diferentes y luchan contra aquellos que desean que seamos iguales..."

Si he de ser franca, aparte de la entrevista en la que me quedé tremendamente prendada de este autor, me quise comprar el libro por esta dedicatoria. Parecía estar hecha para mí ya que siempre he sido aquella "rarita" entre mi grupo de amigos, a la que le gustaba música que la mayoría nunca había oído, jugaba a juegos que parecían ser de hombres, y para colmo no le gustaba ir a discotecas y prefería quedarse viendo una peli o leyendo en casa. Siempre me insinuó mi grupo de amigos que debía de intentar "integrarme" para no terminar sola, pero al final decidí que tenía que haber gente parecida a mí y que más tarde o más temprano los encontraría. Resultó ser así y ahora estoy muy contenta con como soy y quién he llegado a ser. Así que en el día del libro nuestro buen Capitán me lo regaló y lo engullí como si fuese el último libro que pudiera leer antes del fin del mundo.

Es posible que la facilidad de lectura que tuve con esta novela no fuera ya por el tema a tratar en ella, que creo que es una mera excusa para poder hablar de sentimientos, sensaciones y otras muchas cosas interesantes a las que normalmente ignoramos en nuestro día a día. Creo que fue tan sencillo recorrer sus páginas porque Albert Espinosa ya realizó otros libros antes como "El Mundo Amarillo: Si crees en los sueños ellos se crearán" o "Todo lo que podríamos haber sido tu y yo si no fuéramos tu y yo", y porque tiene experiencia como guionista de cine, televisión con obras tan sonadas como "Planta 4ª", "Tu vida en 65'" , "No me pidas que te bese porque te besaré" y "Nadie es perfecto", y de teatro una gran cantidad de obras que no os voy a poner aquí por no escribir tres folios enteros.

Su capacidad de minimizar las palabras a lo largo de todos los capítulos de este libro no son sino una forma de demostrar que se puede escribir de forma sencilla, directa y cómoda yendo directamente al grano sin perderse en florituras innecesarias. Los capítulos además son bastante cortos y pensando que la letra es algo grandota, las páginas pueden volar de vuestras manos sin que os deis cuenta. Habrá quien diga que este libro, debido a estas características, puede ser un libro para leer en una tarde; no os equivoquéis con esto. Todo, absolutamente todo lo que aparece entre estas páginas serán una carga emocional directa y sin ningún tipo de sutileza. La mente se os va a agotar porque Albert es capaz de haceros experimentar una gran cantidad de sensaciones, todas juntas y muy seguidas.

Hay quien considera estas obras como una subcategoría de los libros de autoayuda. No creo que se deban tener prejuicios al respecto, ya que la literatura es al fin y al cabo un medio para poder expresar distintas cosas o para enseñar determinados valores. Hay quien considera que esto solo se puede obtener de los cuentos y las fábulas, pero no es cierto, de todo se puede aprender para poder ser mejor persona. En este caso he de reconocer que muchos de los capítulos que he podido ver en este libro me han dejado con una sensación extraña. Es la historia de un niño que nació "enano", ya que sus padres también lo eran, y a los cuales pierde desgraciadamente cuando él prácticamente acaba de cumplir los doce años. Entregado al cuidado de su hermano mayor, el cual le sometía a todo tipo de vejaciones y malos tratos, terminó por escaparse de su casa para intentar buscarse una vida mejor embarcándose en todo tipo de aventuras hasta llegar a la isla de Capri. A lo largo de su periplo tendría la suerte de coincidir con todo tipo de personas que le aportarían algo a su vida. Pero eso sí, esta aventura no empieza únicamente cuando inicia su viaje, ya comenzaría a conocer a grandes personas desde que cumplió los seis años y tuvieron que operarle de las amígdalas hasta que se dedicara a buscar niños extraviados o secuestrados como investigador privado.

Como conclusión solo puedo deciros que es un libro que os va a permitir conoceros un poquito más a todos. Incluso los títulos de muchos de los capítulos (los cuales no voy a deciros ninguno porque considero que es parte de la magia del libro), ya os van a dar una muestra de lo que se va a tratar en ellos y, creedme, el final es realmente sorprendente, más que nada porque en estos libros parece que hay una ventanita pequeña que mira a nuestro interior y que es capaz de descubrirnos grandes cosas, incluso de nosotros mismos.

Lo considero uno de esos libros que pueden enseñarnos a ser mejor personas y por lo tanto uno de los imprescindibles. Os dejo aquí abajo el vídeo de un parte de la entrevista que se le hizo al libro en el programa de Buenafuente, a ver si os gusta:

***

Ventajas:

-Es un libro muy fácil de leer sin llegar a insultar al lector.

-Consigue que te conozcas a ti mismo un poquito más.

-Su lenguaje puede llegar a ser abstracto pero a la vez muy concreto, así que puede enseñar una forma distinta de escribir.

Desventajas:

-Es un libro muy emocional y hay que tomarse con calma su lectura.

-Las enseñanzas de este libro pueden ser duras de afrontar llegados a determinados capítulos.

Cyram julio 25, 2011