La Espada en la Tinta | Fantasía y culturas afines: Acción

Publicación independiente de fantasía, por y
para lectores de espadas y conjuros. La
fantasía es la poción mágica de la literatura.

13 de marzo de 2015

Críticas de cine: 'Kingsman: Servicio secreto', un espectáculo muy divertido

Me lo paso pipa viendo las películas de Matthew Vaughn. El director me dejó anclado a la butaca del cine con Stardust, luego con Kick-Ass y más tarde con X-Men: Primera generación. Ha vuelto a conseguirlo con Kingsman: Servicio secreto, el tipo de película que llama la atención enseguida a poco que te gusten los cómics de Mark Millar y si disfrutarste con la adaptación que se hizo del pobre vigilante patea culos. Pero sus películas no serían lo mismo sin Jane Goldman, quien ha escrito todo esto para deleite de todos nosotros.

Kingsman: Servicio secreto nos presenta una trama de espías al estilo de las películas de James Bond, pero con la novedad de que el gamberrismo que aquellas no tenían está aquí más presente que nunca. Por no hablar de todo el ambiente británico que se respira a lo largo y ancho de cada uno de los fotogramas, empezando por los actores (Colin Firth, Mark Strong, Michael Caine) y terminando en la elegancia de llevar un traje o en los tapizados a cuadros. Porque un traje no lo puede llevar cualquiera, algo que nos queda muy claro durante todo el metraje.

Es difícil comentar una película donde el factor principal es la sorpresa, así que omitiremos las partes más sangrientas. El mérito que más podemos atribuirle a Kingsman es que te lo pasas pipa con ella, de principio a fin. Si te paras a pensar en algún momento de la cinta te darás cuenta de que has estado buscando paralelismos entre esta y otras películas del mismo género (los variados y sorprendentes gadgets como los bolis con veneno, los mecheros-granada y otros igual de apetecibles). Por momentos la cinta se pone cada vez más gamberra y el nivel de salvajismo aumenta a cada minuto que pasa hasta llegar a un clímax bestial que ya quisieran otras películas y donde no tienes más remedio que reírte –risa sana o sádica, da lo mismo– ante las diferentes secuencias que van teniendo lugar ante nuestros ojos.

Kingsman presenta los típicos elementos de las películas de James Bond y otras similares de espías: un villano excéntrico (en este caso Samuel L. Jackson, con defecto de habla incluido), mogollón de cachivaches que usar contra los malos, montones de esbirros para masacrar sin piedad y un plan maquiavélico que de momento solo el malo conoce. A esto le añadimos un Colin Firth que prácticamente se estrena en el cine de acción –y lo hace muy bien– y un chaval de los barrios bajos de Londres que termina siendo el alma de la fiesta, y tenemos el cóctel bien agitado que es Kingsman, donde además hay que añadir una estética agradable y muy colorida y un guión con el que no te aburres en ningún momento porque siempre pasan cosas. Y sí, incluyendo la aparición de Mark Hamill como recordatorio de su futura aparición en Star Wars Episodio VII: El despertar de la Fuerza.

Hay muchos buenos momentos en Kingsman, pero la impresionante escena de la iglesia y la cena con un buen vino y unas hamburguesas del McDonald's son dos de los que a mí más me han gustado. Esta película parece escrita a propósito para Colin Firth, para Samuel L. Jackson, para Michael Caine, para Mark Strong y para Taron Egerton: creo que sin estos actores la cinta hubiera sido otra cosa muy diferente, sin carisma.

Y para cerrar esta crítica, una última cosa que me parece importante: no llevéis a vuestros hijos o sobrinos pequeños para ver este tipo de películas, tan solo porque parezca una parodia desenfadada. Eso sí que es una salvajada y no lo de la iglesia.

Kingsman: Servicio secreto. Nacionalidad: Reino Unido. Duración: 129 minutos.

Loren Sparrow marzo 13, 2015

20 de agosto de 2013

Críticas de cine: «Pacific Rim», de Guillermo Del Toro

Título original: Pacific Rim.
Dirección: Guillermo Del Toro.
Guión: Travis Beacham, Guillermo Del Toro.
Producción: Warner Bros., Legendary Pictures.
Banda sonora: Ramin Djawadi.
Nacionalidad: Estados Unidos.
Duración: 131 min.
Estreno en España: 9 de agosto, 2013.
Temática: Ciencia-ficción, acción.
Correlación: Independiente.

Mazinguer Z, Bioman, Goldorak, Transformers… Robots ha habido muchos, y muy grandes; Pacific Rim tiene probablemente a los más bestias que se han visto hasta día de hoy en la gran pantalla. Sin exagerar. Guillermo Del Toro lo ha conseguido, ha creado ese blockbuster que andaba buscando, la película referencia del verano por encima de muchas otras como Guerra Mundial Z o El Llanero Solitario. Es más, parece que sus pretensiones eran que alcanzase la misma dimensión que tienen las criaturas que para ella ha creado.

“Siempre habíamos pensado que la vida extraterrestre vendría de las estrellas, pero ha venido de las profundidades del mar”. Así es como empieza el tráiler. Un proyecto como el de Pacific Rim no es fácil; primero porque el argumento nos suena a lo de siempre y segundo porque estamos un poco saturados de luchar contra los extraterrestres, sean de la forma, color o planeta que sean. De hecho, el primer error es ver el tráiler, pues sinceramente no motiva demasiado, es más, hace que sientas que estás ante una película más, cualitativamente hablando. Pero lo cierto es que una vez dentro del cine, esa impresión cambia por completo en cinco minutos. Dos horas largas que pasan volando en las que disfrutas y alucinas por partes iguales.

Pacific Rim nos sitúa hacia 2025 donde, a través de una grieta en el fondo del mar a modo de portal estelar entre planetas, unas bestias de tamaño desproporcionado e intenciones muy muy crueles atacan a la humanidad. Los humanos, lejos de esconderse, han creado unos gigantescos robots para hacerles frente. La cosa se complica cuando la frecuencia de los ataques aumenta y no damos abasto.

"No las tenía todas conmigo cuando entré a la sala y salí de ella encantado por haber disfrutado a lo grande"

Kaijus contra Jaegers. En un intento por acercar el género kaiju al público, Del Toro ha elegido este nombre que significa “bestia extraña” para sus gigantescos monstruos alienígenas. Un poco más original ha sido en la manera de pilotar a los robots, los Jaeger, pues funcionan con un tándem de pilotos compatibles neurológicamente que, digamos, sincronizan sus mentes. El argumento de Pacific Rim realmente es sencillo y muy previsible, pero en este caso es algo que queda en un segundo plano, pues vamos a ser deslumbrados de otra manera. La película se convierte en un orgasmo visual, técnico y sonoro. Si a eso le añadimos el “¡oh!” que se nos dibuja en los labios cada vez que aparece una nueva criatura o máquina de las que no caben en pantalla, pues queda mucho más claro para lo que hemos sido convocados en la sala.

Puede que la elección de la fecha de la historia sea un tanto precipitada. A día de hoy sinceramente pienso que la década de los 2020 queda un tanto cercana para estar combatiendo alienígenas a tal nivel. Aun así, vamos a darle una oportunidad a ese de lejos intento por rozar la verosimilitud que Del Toro nos propone, ya que es perfectamente entendible, nada complejo y encaja a la perfección en el guión.

He dicho ya que las criaturas son de un tamaño inimaginable. Pues sus efectos y daños colaterales no son para menos; en un mundo así seguramente el sector de la construcción estaría de enhorabuena. A todos aquellos que comentaron que en Man of Steel se pasaban con las peleas y rompían demasiados edificios, con batallas al más puro estilo Dragon Ball, les encantará saber que Pacific Rim entra en la lucha directa por el primer puesto en ese sentido, ya que su afán de destrucción es desmedido.

Quizás echo de menos unos pocos minutos más para consolidar el argumento inicial, el cómo se ha llegado a la situación, no por el hecho de que no esté claro, sino más por el del merchandising, el cómo y por qué de la elección de los nombres de los robots y alienígenas, o su clasificación. Podrían haberse lucido en ese aspecto. Cada Jaeger responde a un estereotipo, al igual que sus pilotos: los rusos con la artillería pesada de la vieja escuela, los asiáticos con el robot de las virguerías, los americanos con el salvador, etc. De la misma manera, en cada Kaiju podremos diseccionar a varias criaturas conocidas, pues son una especie de uniones colosales de dinosaurios y otros animales. Me gustaría comentar el detalle del homenaje que entreveo al género kaiju cuando un reptil gigante es el elegido en la batalla de la bahía de Hong Kong. ¿Alguien más lo comparte conmigo?

El hecho de tener un reparto más bien desconocido favorece en sí el global de la película, pues el protagonista ha de ser el tamaño y los personajes simplemente se encargan de pilotar. Con esto se consigue que no estemos pendientes de unos o de otros, sino de dejarnos llevar y disfrutar, que a fin de cuentas es para lo que vamos al cine. En este conflicto bélico mundial encontraremos actores de todas las nacionalidades, destacando el rol de la mujer en muchos momentos. Pero todo el público español reaccionará cuando aparezca, como lleva haciendo habitualmente en las pelis de su amigo Guillermo Del Toro, nuestro querido Santiago Segura, para hacer su habitual cameo. Esta vez forma pareja con el mítico Ron Perlman. La nota de humor la pondrá sin embargo otra pareja, la de los científicos. Uno con cara de freak de series y el otro de mayordomo de mansión encantada. No tiene desperdicio su papel en la historia.

Así que poco más puedo decir. A la espera de tener noticias de la posible secuela, innecesaria por otra parte, no puedo hacer más que animaros a ver Pacific Rim, simplemente porque no las tenía todas conmigo cuando entré a la sala y salí de ella encantado por haber disfrutado a lo grande.

Unknown agosto 20, 2013

21 de septiembre de 2012

El Caballero Oscuro: La Leyenda Renace – Christopher Nolan

Título original: The Dark Knight Rises.
Dirección: Christopher Nolan.
Guión: Jonathan Nolan (guión), Christopher Nolan (guión, historia), David S. Goyer (historia).
Producción: Warner Bros. Pictures, DC Entertainment, Legendary Pictures, Syncopy.
Nacionalidad: Estados Unidos, Reino Unido.
Duración: 165 min.
Estreno en España: 20 de julio, 2012.
Temática: Acción, crimen, thriller.
Correlación: Tercera y última entrega de la saga de "El Caballero Oscuro".

Para leer esta reseña os recomiendo escuchar mientras el tema Rise, de la banda sonora compuesta por Hans Zimmer para la película.

Han tenido que pasar cuatro largos años para que la última entrega de la trilogía de Christopher Nolan vea la luz en la gran pantalla. No obstante, mucho tiempo más ha pasado para nuestro héroe, Bruce Wayne (Christian Bale), quien tras asumir los cargos por la muerte de Harvey Dent ("Dos Caras"), decide colgar el traje del murciélago para que la ciudad de Gotham pueda dar unos cuantos pasos sola. Durante esos ocho años de voluntario exilio en la que se sume en el dolor por la pérdida de su amada Rachel Dawes –y en el que la ciudad parece poder combatir el crimen sin su ayuda con la dura imposición de la Ley Dent–, tendrá que enfrentarse a lo que ha supuesto abandonar su alter ego. Como un animal moribundo, ha permitido que todo por lo que luchó y por lo que peleó se desvanezca sin más, quedándose casi en la ruina y admitiendo a regañadientes que la ciudad podía valerse sin su justiciero más oscuro, apoyado indefectiblemente por su mayordomo, Alfred (Michael Cane).

Esta película, a diferencia de la anterior –El Caballero Oscuro–, no se basa en mostrarnos al valiente, fiero, tenaz y orgulloso personaje de Batman de siempre. Al contrario, lo que se nos muestra son las luchas internas que puede llegar a afectar a un hombre con una determinación como la de Bruce Wayne y que ha tenido que ver y experimentar tantas cosas como él. Se tiene que cuestionar el verdadero porqué de sus acciones luchando por quebrar la tristeza y la desidia que se han ido apoderando cada vez más de su persona y por lo tanto, de la imagen que él mismo tiene de su presencia en la ciudad de Gotham. No veremos a un justiciero desafiante y agresivo, sino a un Batman reticente, introspectivo, ciudadoso y casi temeroso, como si durante toda la película intentase comprobar hasta donde puede llegar sin destruir completamente todo en lo que ha creído hasta el momento.

Es en el instante en que una ladrona bastante peculiar entra en su casa –utilizando como tapadera un homenaje realizado al fallecido Dent–, cuando todo renace dentro de él. Lo que lo detona no es el hecho de que haya conseguido colarse sin ser vista y sin llamar la atención, sino la joya por la que ella se interesa. Un collar que centra todo el recuerdo que tiene del día en el que sus padres murieron y el momento en el que el murciélago empezó a vivir en su corazón: el collar de su madre. Esto, como prólogo a lo que después sucede con la aparición de Bane (Tom Hardy) en la ciudad y su forma de llevar al pueblo lo que él llama "la verdadera justicia", hace que nuestro aletargado Caballero Oscuro despierte de su catarsis. Aún más cuando se entere que nuestro actual villano fue entrenado por la Liga de las Sombras, dirigida por su primer enemigo: Ra's al Ghul.

Particularmente, considero que el villano presente en esta última entrega no le llega a la altura de las zapatillas al "Joker" interpretado por Heath Ledger, pero sí que es cierto que cumple su función a la perfección, haciendo que los espectadores estén con el corazón en vilo cada vez que aparece en la historia. No nos confundamos, quien intente ver en esta película una consecución de escenas de acción en la que todo salta por los aires, no lo va a encontrar. Creo que es una película destinada a los fans del justiciero, en el que se hace referencia a algo que no se había visto nunca antes: el hombre detrás de la máscara.

A lo largo de El Caballero Oscuro: La Leyenda Renace se puede tener una perspectiva bastante interesante de las motivaciones que suelen sacudir a Batman, rotando por cada uno de los personajes, a cada cual más distinto. Con el comisario James Gordon (Gary Oldman) y el mismo Bruce Wayne veremos que en ocasiones para hacer el bien, hace falta hacer algo malo o moralmente dudoso, algo que salve el concepto de la bondad, lo luminoso y lo verdadero de la mácula que puede traer la maldad, sus dudas y sus traiciones. En el caso de Catwoman, sus motivaciones siempre han parecido ser algo arbitrarias. Desde la aparición en la gran pantalla de la maravillosa Michelle Pfeiffer, nunca antes se le habían atribuído a este personaje otras motivaciones que no fuesen simplemente su propia supervivencia y satisfacción personal. En la tercera entrega de la serie de Nolan, podremos comprobar cómo todo lo que hace será por buscar su propio camino dentro de un mundo injusto para aquellos que tienen poco para poder salir adelante.

También vemos a otros personajes como es el caso del agente Blake (Joseph Gordon-Levitt), que pese a haberse enfrentado a lo peor de las calles de Gotham como agente de policía, sigue confiando en que el bien siempre debe de engendrar al bien, con una visión nívea de lo que debe de ser un héroe, una esperanza para los que menos tienen. Para ser sinceros, uno de los personajes más interesantes que tiene la película y que nos da esa visión "de a pie", que en muchas ocasiones nadie se ha planteado. ¿Cómo verán los ciudadanos de Gotham a Batman? ¿Se dejarán llevar por las declaraciones de la policía y algunos periódicos sobre nuestro justiciero, o por el contrario tendrán su particular imagen al respecto? Estas preguntas, junto con la forma en la que el pueblo de Gotham es atacado por Bane y sus secuaces, son las causas por las que esta película para mí fue mejor y a la vez algo peor que la anterior. Tanto el pueblo de Gotham como el mismo Bruce Wayne son los protagonistas y no hay nadie especialmente carismático que atraiga la atención del espectador, a diferencia de la anterior entrega.

Si lo que queréis es ver una película palomitera en la que no tengáis que darle vueltas al coco no lo vais a poder encontrar en la clausura de esta trilogía tan impactante. Sí, es cierto que Nolan tiene una forma peculiar de trabajar con los distintos tiempos muertos en sus historias, llegando a tener espacios bastante espesos –al igual que le ocurrió en Batman Begins–, pero considero que puede darle bastante realismo a la narración. Quizás lo que me falle más sea la actriz elegida para interpretar a Catwoman –Anne Hathaway– y que no tenga demasiada trascendencia dentro de la historia. Pensando que en los cómics Selina siempre ha estado presente en la vida de Bruce Wayne y que continuamente ha sido ese punto intermedio entre el universo perturbado de los distintos villanos que habitan Gotham y nuestro justiciero oscuro, quizás sea algo que se haya quedado un poco colgado.

¿Lo mejor para mi gusto? El final. Impactante, sorprendente, inesperado, revelador y prometedor. Algo que, ayudado por la música de Hans Zimmer, ha llegado a hacerme remover en mi asiento del cine de forma nerviosa y me ha obligado a mantener la vista fija en cada escena y cada detalle. Creo que la aportación de Christopher Nolan al imaginario del héroe ha sido muy acertada, consiguiendo de una vez por todas que aquellos que no han tenido mucho contacto con las historias de este justiciero en otro lugar que no hayan sido las películas de Tim Burton y Roel Schumacher descubran al fin algo verdaderamente demoledor: las historias de Batman no son para críos. Es ese héroe que decidió poner fin a las injusticias que un corrupto e ineficaz sistema de justicia no podía combatir. Ese hombre, que decidió exigirse hasta lo indecible sin ser un mutante o un extraterrestre para salvaguardar tanto la dignidad de los habitantes de Gotham como la esperanza de que el bien siempre va a terminar brillando de forma salvaje a través de la oscuridad. Por fin, después de muchos años, a la gente que no conocía a esta figura de los cómics se les ha demostrado que Batman se convirtió en el primero de otros tantos vigilantes que vinieron después de él, así como lo que significa ser uno de ellos.

Si aún no la habéis visto no esperéis más. Raras veces enseña tanto una película sobre la naturaleza humana y si encima os lo pasáis bien, ¿qué más se puede pedir?

Cyram septiembre 21, 2012

11 de marzo de 2012

"Ghost Rider: Espíritu de Venganza", de Mark Neveldine y Brian Taylor

Título original: Ghost Rider: Spirit of Vengeance.
Dirección: Mark Neveldine, Brian Taylor.
Guión: Scott M. Gimple, Seth Hoffman, David S. Goyer.
Producción: Marvel Knights, Columbia Pictures, Hyde Park Entertainment, Imagenation Abu Dhabi FZ.
Duración: 95 min.
Estreno en España: 24 de febrero, 2012 (ver tráiler).
Temática: Acción, fantasía, superhéroes.
Correlación: Continuación de Ghost Rider: El Motorista Fantasma.

UNO DE MIS PERSONAJES favoritos de Marvel es El Motorista Fantasma, un superhéroe que no creo que deba recibir como tal ese nombre, aunque existe la tendencia a llamar "superhéroe" a todo lo que tenga que ver con La Casa de las Ideas. Estamos hablando entonces de antihéroe. Más que la propia evolución de las historias, a mi lo que me gusta es el concepto del personaje en sí: chupa de cuero, cadenas, moto de tipo duro y un poder sobrenatural que hace temblar a los villanos. Con esa premisa, la secuela de El Motorista Fantasma no sorprenderá a nadie si establecemos de antemano los conceptos del personaje, porque ese es precisamente el reclamo de Ghost Rider: Espíritu de Venganza, más allá de su manido argumento.

La cinta estrenada en 2007, dirigida por Mark Steven Johnson y protagonizada por Nicolas Cage y Eva Mendes me parece sin dudarlo una de las peores películas que se han hecho al amparo del logotipo Marvel. Cierto, tiene unos efectos especiales totalmente espectaculares, la mera idea de contemplar a Ghost Rider en todo su apogeo, combatiendo contra demonios o cabalgando en su motocicleta en un halo de fuego debería bastarnos, pero cuando una película tiene como punto flojo la pobre caracterización de los actores y un argumento poco explotado y demasiado lineal, da como resultado un fallido intento de película.

Su continuación va por un camino similar, aunque debo decir en su defensa que en esta ocasión me he divertido más con las nuevas aventuras del Motorista que en la vez anterior. Salgo del cine con la idea de que todo lo que me han contado en su argumento se reduce a lo que ya vimos en El Motorista Fantasma, es decir, el Diablo vuelve a las andadas con un anticristo que le conferirá poderes en la Tierra. Ni que decir tiene que Ghost Rider deberá convertirse una vez más en lo que tanto detesta con tal de salvar al mundo. Pero más allá de eso, la mera pirotecnia de la cinta me ha hecho olvidar lo predecible del argumento, porque Ghost Rider: Espíritu de Venganza no es más que una sucesión de escenas acrobáticas espectaculares, explosiones, tiros, y valga la redundancia, el Motorista brilla mejor que nunca. Su puesta en escena es amenazadora, psicótica, demencial, cruel, y lleva consigo un aire de brutalidad que echábamos de menos en la entrega anterior, sin duda lo mejor de la película. Para el caso, Nicolas Cage, aunque no me parece uno de los mejores actores de Hollywood, trata de sobrellevar al personaje con bastante acierto, usando un humor negro y salvaje (por e.j. la meada de fuego), evitando la aparición de su alter ego. Respecto al actor que interpreta aquí al Diablo, no es otro que Ciarán Hinds, en sustitución de Peter Fonda. Las recientes participaciones del actor incluyen filmes como John Carter, Harry Potter y las Reliquias de la Muerte, Parte II o La Mujer de Negro.

Por esto último conseguimos dejar de lado el argumento que en esta ocasión está poblado por una organización secreta (¡capitaneada por Christopher Lambert!) que aguarda desde tiempos inmemoriales el desbaratamiento de los planes del Diablo, una madre que va en pos de su hijo, y un trasunto de monje guerrero cyberpunk, Moreau (interpretado por Idris Elba, el Heimdall de Thor), que ofrecerá información sobre los planes del villano principal. Espectáculo con efectos especiales y digitales para no pensar demasiado, porque esto es lo que es Ghost Rider: Espíritu de Venganza, un conjunto de escenas de acción excelentemente ejecutadas, cuyos directores, cámara en mano, ruedan las acrobacias como si de especialistas se tratase, algo que notaremos enseguida por esa estética que busca hacer partícipe al espectador con planos dinámicos, persecuciones a pie de vehículo y vuelos por el aire más alla del borde de un acantilado, entre otras cosas.

Si eres de los que disfrutaron con el El Motorista Fantasma (2007), sin duda Ghost Rider: Espítiru de Venganza se convierte en una buena opción de domingo. Pero si por el contrario no soportas la cinta de Mark Steven Johnson (responsable de otra de las perlas de la Marvel como Daredevil), hay que decir que esta segunda entrega ha cambiado de mano, por lo que no estamos ni mucho menos ante el mismo ejercicio, aunque sí ante el mismo tipo de película, es decir, antihéroe sorteando peligros para enfrentarse al enemigo final. Por otro lado, aunque el argumento es manido (hasta para el Motorista) y goza de elementos insertados con calzador y sin explicación alguna, es en el apartado técnico donde Ghost Rider: Espíritu de Venganza resulta notable, con abundantes escenas de acción, tanto en terreno abierto como en autopistas, que dejarán a nuestras neuronas deseando ver la siguiente salvajada que hará el Motorista.

Loren Sparrow marzo 11, 2012

6 de octubre de 2011

"Cowboys & Aliens", de Jon Favreau

Reseña de Loren

Título original: Cowboys & Aliens.

Nacionalidad: Estados Unidos.

Duración: 118 min.

Temática: Western, ciencia-ficción, acción, distopía.

Correlación: Independiente. Inspirada en el cómic homónimo.

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Con una premisa que recuerda a los seriales radiofónicos al más puro estilo La Guerra de los Mundos, el director de la notable Iron Man, Jon Favreau, presenta la adaptación cinematográfica del cómic homónimo escrito por Andrew Foley, Scott Mitchell Rosenberg y Fred Van Lente. De la mezcla resultante entre el western y la ciencia-ficción (dos de mis géneros cinematográficos preferidos, debo añadir), uno podría esperar un resultado ambiguo, exagerado, puede que incluso risible, pero nada más lejos de la realidad. Aunque Cowboys & Aliens tiene ciertos puntos negativos, el resultado final me ha parecido la mar de entretenido, conjungando lo más básico de ambos géneros para ofrecer un producto fresco, diferente, anacrónico, puede que hasta arriesgado para los paladares poco habituados a este tipo de experimentos.

Loren Sparrow octubre 06, 2011

17 de septiembre de 2011

"Capitán América: El Primer Vengador", de Joe Jonhston

Reseña de Loren

Título original: Captain America, The First Avenger.

Nacionalidad: Estados Unidos.

Duración: 124 min.

Temática: Acción, aventuras, superhéroes.

Correlación: Independiente, preludio a Los Vengadores (2012).

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Llevamos un año importante en cuanto al estreno de películas de superhéroes de refiere. Con la nueva entrega de los mutantes en X-Men: Primera Generación, con la adaptación al cine de la mitología nórdica de Thor por parte de Kenneth Branagh, también de Green Lantern en pantalla grande (aunque ese ya es de DC), y en visos de la inminente película de Los Vengadores, la asociación Marvel/Disney se ha puesto las pilas para ofrecer la historia original del Capitán América antes del estreno de la cinta donde reunirán a Iron Man, Viuda Negra, Nick Furia, Thor, Ojo de Halcón y Loki, para atarlos a todos en las tinieblas, a las de la sala de cine me refiero.

Loren Sparrow septiembre 17, 2011

22 de agosto de 2011

"Transformers: El Lado Oscuro de la Luna", de Michael Bay

Reseña de Loren

Tercera entrega de la saga de películas de acción que toma como referente la popular marca de juguetes de Hasbro. Ficha en IMDb.

Título original: Transformers: Dark of the Moon.

Nacionalidad: Estados Unidos.

Duración: 157 min.

Temática: Acción, aventuras, ciencia-ficción.

Correlación: Continuación de Transformers (2007) y Transformers: La Venganza de los Caídos (2009).

Sam Witwicky ha dejado atrás la universidad para lanzarse al duro mundo laboral, en busca de un trabajo con el que subsistir en el día a día, porque desgraciadamente, el ser amigo de una panda de robots extraterrestres gigantes no hace que las facturas se paguen solas. Transformers: El Lado de Oscuro de la Luna es la tercera incursión en el cine de los muñecos convertibles de Hasbro con la dirección de Michael Bay, reconocido en el mundo entero por sus famosas películas de acción, la mayoría de ellas con una gran carga patriótica, y El Lado Oscuro de la Luna no es menos. Nada más dar comienzo la cinta asistimos a una interesante secuencia que se entremezcla con el periodo histórico que atañe al primer viaje a la Luna a finales de los años sesenta (el Apolo 11). Lo mismo que se pudo ver en el tráiler, pero de una forma mucho más extendida, que ciertamente hace de la película un prometedor inicio por la calidad de sus efectos especiales y por la inmersión en esa atmósfera de misterio espacial respecto a lo que los astronautas encuentran en el lado oscuro de la Luna, motivo que va a tener una gran repercusión en la trama consiguiente.

Loren Sparrow agosto 22, 2011

29 de julio de 2011

"Transformers: La Venganza de los Caídos", de Michael Bay

Reseña de Loren

Segunda entrega de las saga de películas centrada en la popular marca de juguetes de Hasbro. Ficha en IMDb.

Con esta película me pasa algo parecido a lo que me ocurrió cuando vi El Mundo Perdido, la segunda parte de la saga "Jurassic Park", no he podido evitar una comparación, porque en ambos casos Steven Spielberg está involucrado en el proyecto de alguna manera, y las dos obras son segundas partes. En la película de los dinosaurios, el regreso a una de las peligrosas zonas de la primera parte es una mera excusa argumental para volver a ver a los gigantescos reptiles en acción, que tiene sus momentos en general, pero las situaciones o comportamientos ilógicos de ciertos personajes hacen que se desinfle en su primera mitad (señor Spielberg, ¿no quedaste conforme en Indiana Jones y el Templo Maldito y sí con El Mundo Perdido?). Con esta segunda entrega de los robots de Hasbro me ocurre algo similar, tiene ideas buenas, pero no sabe sacar provecho de ellas, o el provecho que nosotros, los aficionados al cine de acción/fantasía/ciencia-ficción, creemos que deben ser aprovechables, cumpliendo así el estándar de una película de este tipo, que de otra forma se convierte en un pasatiempo incrédulo por la cantidad de deus ex machina presentes que dan al traste con el visionado, al menos los que consideran este recurso mágico como algo negativo, tal es mi caso.

Loren Sparrow julio 29, 2011

16 de julio de 2011

"Cars 2", de John Lasseter y Brad Lewis

Reseña de Loren

Segunda entrega de los coches de Pixar, donde Rayo McQueen y su mejor amigo Mate se lanzan a una competición internacional.

Los estudios americanos de Pixar nos sorprendieron en 2006 con una curiosa película de animación centrada en un mundo alternativo donde los vehículos estaban dotados de vida, podían sentir, pensar y hablar. El director John Lasseter (Bichos, Toy Story, Toy Story 2), junto a Joe Ranft, plasmó en una generosa película de animación todo un mundo fresco y original que hablaba de la amistad y los problemas del éxito, que generalmente redundan en la personalidad del que lo sufre. En 2011 llega Cars 2, donde Lasseter, esta vez con Brad Lewis, vuelve a ese mundo tan automovilístico que no se queda tan sólo con los coches parlantes, sino que va más allá para ofrecer sus propias versiones de lugares conocidos como Tokyo, París, Italia o Londres, en una trama de espionaje internacional que cobra casi tanto protagonismo como las carreras. Esta nueva entrega no resulta tan fresca y original como su antecesora, haciendo más hincapié en el género de acción (explosiones no faltan), con una suerte de James Bond clásico como es Finn McMisil, pero en versión automovilístic. El protagonista casi absoluto de esta entrega es Mate, con Rayo McQueen, protagonista de la cinta anterior, en un segundo plano y dejándole hacer lo que mejor se le da: correr y presumir (aunque no tanto como su contrapartida de Formula 1).

Loren Sparrow julio 16, 2011

10 de julio de 2011

"Transformers", de Michael Bay

Reseña de Loren

Primera entrega de la película de Michael Bay centrada en la popular marca de juguetes, producida por Paramount Pictures y DreamWorks SKG. Ficha en IMDb.

El día en que los juguetes tomaron la ciudad.

Cuando vamos a ver una película de Michael Bay ya sabemos lo que vamos a encontrar de antemano: explosiones, tiros, coches lanzados por los aires, más explosiones y edificios siendo destrozados. Creo que no me dejo nada, aunque en el caso de que así fuere, todo eso y más lo podéis encontrar en el manual que habla de cómo hacer películas en el contexto de una invasión extraterreste/monstruo gigantesco/experimento ultrasecreto desatado, y donde el mayor perjudicado es el pueblo americano. En serio, el Transformers de Michael Bay (y producido por Steven Spielberg) es una cinta de manual, al estilo de Godzilla, Independence Day, Dos Policías Rebeldes 2, e incluso Armageddon, Pearl Harbor y La Roca, ya que nos ponemos. La marca de Bay es grande, en sus tomas, en sus planos, en la manera de retratar a sus personajes o su motivo central (en este caso los robots), incluso la calidad o forma de los efectos especiales (raro es que no estuviera Bruckheimer metido en esto). Pero a pesar de tratarse de un tópico dentro de lo tópico, esta primera Transformers se deja ver, cumple de sobra con lo que prometió el tráiler en su momento, y te apetece ver alguna que otra película más protagonizada por los Autobots de toda la vida, porque una cosa es cierta: los efectos especiales son alucinantes, una de las pocas veces en que hay unos toques digitales tan limpios y donde no nos mareamos. Incluso podemos identificar los juguetes de antaño sin problemas.

Loren Sparrow julio 10, 2011

23 de junio de 2011

"Fast & Furious 5: Fast Five", de Justin Lin (por Loren)

Reseña de la quinta entrega de 'The Fast and the Furious', donde aparte de las caras conocidas de las saga, se incorpora a Dwayne Johnson (alias 'The Rock') en el reparto.

La saga de coches más famosa de la pantalla grande se compone ya de cinco películas. Hace ya la friolera de diez años desde que se estrenó la primera entrega, The Fast and the Furious (también llamada "A Todo Gas"), a la que un par de años después siguió 2 Fast 2 Furious, más carreras, más efectos especiales y más acción. Tres años más tarde aparece The Fast and the Furious: Tokyo Drift (o "Tokyo Race"), que supone un soplo de aire fresco a la saga por el cambio de la ambientación, trasladándonos de las costas estadounidenses a la capital japonesa. En 2009 se estrena Fast and Furious: Aún más rápido, en la onda de las dos primeras entregas, y donde vuelve a parecer Vin Diesel en el papel de Dominic Toretto, sin duda lo que los fans más acérrimos a este tipo de películas esperaban. Finalmente, Fast & Furious 5: Fast Five vuelve a la carga con algunos toques de frescura añadidos a la saga para que no sea todo una repetición de esquemas, aunque por supuesto no faltan los elementos que caracterizan a la franquicia.

Loren Sparrow junio 23, 2011

1 de mayo de 2011

"Águila Roja, la Película", de Jose Ramón Ayerra (por Loren)

Reseña de la película basada en la exitosa serie de televisión 'Águila Roja', dirigida por Jose Ramón Ayerra, y cuya primera temporada apareció en televisión durante 2009. A parte de contar con el mismo equipo de rodaje, participan en la producción TVE, Globo Media, Versátil Cinema y el Instituto de de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales ICAA). Tráiler # 1 | Tráiler #2.

Era ineludible el salto a la gran pantalla de una serie tan carismática y emblemática en la parrilla televisiva española como lo es Águila Roja, o al menos su paso por el público lo ha demostrado a lo largo de las tres temporadas que hasta ahora se han hecho. La película sigue el mismo patrón, y canon, de la serie televisiva, incluso su director, Jose Ramón Ayerra, repite en pantalla. La trama es sencilla, y va directa al grano, algo lógico si pensamos que Águila Roja, la Película, es un producto que pretende independizarse de los capítulos televisivos para que cualquiera que no tenga idea sobre los personajes o las situaciones pueda acercarse al cine (o verla en formato doméstico cuando salga), aunque ayuda el saberse los personajes, y para los que ya la conozcan, obtener más de lo mismo, pero mejorado en ciertos puntos que a título personal me han sorprendido gratamente.

Loren Sparrow mayo 01, 2011

24 de septiembre de 2010

Capítulo 1 - "Águila Roja", 3ª Temporada

Anoche se estrenó en televisión la esperada tercera temporada de Águila Roja, tras su previa presentación en los distintos festivales que han ido teniendo lugar. Con un 29,5 % de share (unos cinco millones de personas estaban enganchadas el estreno), fue un capítulo que sentó las bases para futuras tramas, con una puesta en escena muy buena, y con unos actores que están a la altura de las exigencia de hoy en día. Este capítulo comenzó exactamente donde lo dejó el final de la segunda temporada, con Juan (el médico de la villa) volviendo de la guerra para casarse con Margarita, y con Gonzalo tratando de desentrañar todavía el misterio de sus orígenes. Se retoman las tramas de una manera continuada, casi como si no hubiera habido un lapso de tiempo de cinco meses de duración, al contrario que suele suceder en la mayoría de series donde el salto temporal entre una u otra es mayor.

Loren Sparrow septiembre 24, 2010